Une étoile qui brille, un ange pour qui sait écouter

Pendant trop longtemps la lumière du soleil sur le visage de sable et sa voix céleste, clair comme le ruisseau qui court, peu importe qui ne veut pas se baigner dans ses eaux douces , ont été cachés dans les bandes dans un tiroir poussiéreux d’un studio d’enregistrement . Aujourd’hui, enfin, après quatre décennies, le concert en direct d’Essen (1970) vous pouvez écouter avec beaucoup d’enthousiasme avec la sortie de Fotheringay (2011 Thors Hammer-Fabriqué en Allemagne). Ce concert marque la grandeur de Sandy Denny et son évolution, après avoir quitté Fairport Convention à la fin de 1969. Ses compositions, The Sea, Nothing more et sa voix dans chaque chanson transmet les émotions et les charmes. Il ne fait aucun doute dans mon oreille, Sandy est la plus belle voix que j’ai jamais entendu. Toute la musique, édité et arrangé par Jerry Donahue guitare électrique, renforcée par des sons classiques avec Gerry Conway et la voix de Trevor Lucas, dans certains endroits, peut-être un peu exaspéré, ce disque donne une importance dans l’histoire de la musique sublime. Expression, celle de Fotheringay, plein de diverses expériences musicales et plein de vitalité atteint avec quelques outils, mais avec une chanteuse qui chaque bande aurait aimé. Sandy était petite et frêle, était aimé par tous, peu importe à vous et à affecter le succès d’autres disques, cependant, que sa grande personnalité étouffée, unique et rare. La chanteuse britannique petite pourrait être entendus, tout en restant dans l’ombre, que ses autres collègues, avec le premier et Fairport solo, après le démembrement de Fotheringay.
Sa voix, claire, propre, animée, mais voilée avec une touche de mélancolie a renforcé l’intérêt de Bob Dylan et les pauvres et non ballades célèbres, diverses teintes qu’aucune chanteuse dans le monde n’ont jamais réussi.
Sandy Denny est mort à 31 ans, les entreprises de presse et d’enregistrement sont encore et toujours occupé une. Petite, mais très peu de ce grand artiste Pour elle, cependant je n’ai pas de soins parce que la musique est la vie, je pensais que c’était une image du soleil, un ange parmi les anges bénis, sa musique est en moi. Tout le reste n’est pas encore l’histoire.

Gloria Berloso

Ricky Mantoan, un ami pour la vie. Donc je l’ai mentionné en écrivant une note sur facebook.
Pour lui, j’ai écrit des torrents de mots pour exprimer à vous tous, la beauté artistique et de l’intérieur de cet artiste extraordinaire connue en 1998 dans un petit village dans le Friuli Venezia Giulia, dans la salle qui est devenu la scène d’autres concerts tout aussi passionnante et pris soin de moi l’année précédente. Il fut un jour de Mars, un après-midi tranquille et j’avais déjà accroché une affiche pour annoncer un concert de Luigi Grechi et  Ricky, quand j’ai vu une voiture bourrée d’outils avec les pionniers du folk country;d’eux, je connaissais déjà beaucoup de choses, de combien de rue ils eussent fait les deux, spécialement aux États-Unis.
Luigi a été l’un des célèbres vieux chanteur Folkstudio de Rome, où une poignée a été Cesaroni, pour un court laps de temps relativement et, avec son frère cadet Francesco De Gregori mais tout de suite il s’engoua de l’Amérique parce qu’il était là qu’il devait mûrir ses créations artistiques avec le contact et l’expérience des grands musiciens américains comme Pete Seeger mais en particulier la manière Tom Russel.

Ricky Mantoan a travaillé pendant quinze ans avec Roger McGuinn et Skip Battin, malheureusement décédé trop tôt en 2003. Il a joué avec des groupes inscrits dans l’histoire de la musique mondiale: The Byrds et Flying Burrito Bros , mais il ya un certain nombre de ses collaborations avec d’autres musiciens de renom. À ce moment, Ricky savait qu’il avait un incroyable succès personnel est non seulement capable et un grand guitariste, mais il était devenu légendaire pour sa nature douce et sa sensibilité tout en étant un bel homme. Pendant près de trente ans à la tête de Branco Selvaggio, le groupe italien- avec lequel l’Italie a diffusion de la langue et la pensée de country-rock, dont nous verrons aussi dans d’autres spectacles, parce que pour ces éternels garçons le temps ne passe jamais!

Avec Ricky, il a y eu un feeling immédiat et tout de suite nous avons commencé à parler comme si nous fussions déjà des vieux amis, mais avec Luigi la conversation vers les petites heures de l’après-midi a été un peu compliqué, mais plus tard et vers la nuit, De Gregori senior s’est avéré être une personne extraordinaire et très bavard en fait,avec quelques amis proches d’autres ont continué à parler jusqu’au petit matin après l’aube, au lever du soleil.

Après son déménagement à l’hôtel et arrangé tous les instruments (un certain nombre de guitares), Ricky est allé dans la cuisine, assis sur la table et a continué à parler. J’étais en face d’un légendaire ex-Byrds, car alors j’avais connu il ya dix ans lors d’un concert hommage, et ma joie était grande, Ricky percevait d’avoir devant lui une personne humaine et douée de grande sensibilité et il me raconta ainsi d’un événement terrible qui le frappa avant ses 18 ans et que par la suite il détermina un changement radical en lui.
Mais il était devenu une meilleure personne et avait commencé à avoir du respect pour tout ce qui, a reconnu que la vie lui avait donné l’espoir et des moments de joie. Régnait en lui un désir de créer et écrire des chansons, l’adversité l’a mis à l’épreuve et à cette époque a écrit de nombreuses chansons et des ballades comme “Deep Water” et “Sister Moon” est une pure beauté, comme en témoigne le roman, la poésie, mais aussi sa tragédie personnelle. Ces morceaux ont été enregistrés sur la face B du disque vinyle Ricky avec d’autres chansons comme Blackbird, construit avec des guitares électro-acoustiques, Sad Country Lady écrite en hommage à Gram Parsons et Harris Emylou, Down in Memphis Tennessee et deux de ces ballades américaines rêves, Old Friend raconte un vieil ami qui a quitté son pays à la recherche d’un monde meilleur pour y vivre mieux, nous le trouvons vieilli quiétude et n’ont aucun désir de revenir en arrière, Goin’ round et, enfin, est un chant joyeux Crazy man Michel, écrit par Richard Thompson et Dave Swarbrick, la magie et du mysticisme chanson, révélant l’approche la plus ancienne du son des instruments de l’Europe médiéval.

Ricky lui a donné un tour avec l’étude de la musique de harpe celtique, créant une atmosphère de style Renaissance et de la méditation absolue en 2003, il a composé les chansons qui ont le charme d’un auditeur de la musique avec les saveurs sucrées à fois pour revenir à l’Est les thèmes de la Renaissance. L’utilisation de cet instrument, la harpe 36 cordes, révèle la profondeur intérieure de Ricky Mantoan et exprime des émotions avec une grande tendresse rares, les mêmes sentiments que Ricky a été déplacé à notre première rencontre.

“A la manière des bardes antiques, les histoires racontées par le biais de la harpe, sont des histoires dans lesquelles chacun peut se reconnaître et de leurs émotions.”

Cette musique produit le plus haut niveau de l’harmonie avec la narration et poèmes d’amour de lecture.

Mais son histoire de la musique est tellement plus. J’aime à me souvenir que la maison des parents de Ricky réussissait à exercer sur tous les musiciens qui passaient et qu’ils s’arrêtaient pour tester l’influence positive.
Dans la même maison, qu’aujourd’hui c’est sûrement un endroit de culte, les Flying Burrito Bros s’arrêtèrent avant de partir pour la tournée italienne.
Ricky dans tous les concerts s’est avéré être une présence très importante et essentielle et le disque enregistré sur le vinyle est le témoignage de la grande valeur de cet artiste incroyable. Absolument superbe, et unique spectacle proposé par la célèbre chanson de Bob Dylan Ricky“Knockin on heaven’s door” , qui s’est tenue par la même FBB, plus grande que leur version. Depuis lors, dans tous les concerts, la chanson est jouée dans le style de Ricky Mantoan. Là, sur le marché du disque vinyle avec la célèbre chanson et d’autres documents aussi fantastique Sneaky Attack, Walk On The Water, Santa Ana Wind et So You Want To Be a Rock’n Roll Star, lors d’un concert enregistré en direct a Viterbo e all’Aquila et exécuté par Sneaky Pete:pedal steel, Skip Battin:: chant et basse, Vincenzo Rei Rosa:: batterie et Ricky: la voix et les guitares Telecaster & Rickembacker.

Avec son groupe Branco Selvaggio ( Ricky Mantoan: voix, String Bender Guitar, Pedal Steel Guitar, Rickenbarcker Guitar; Renata Boratto: chaqnt, tambourin; Luciano Costa: chant, String Bender Guitar, guitare acoustique; Roberto Cecconello: chant, basse; Giuseppe D’Angelo: chant, batterie,le divin gaucher a fait connaître à travers notre musique country faites par ses expériences dans de nombreux concerts depuis les années soixante, construit de grandes chansons avec passion mais surtout avec beaucoup d’humanité.

Ces dernières années Ricky Mantoan a fait un nombre infini de chansons et de musique et arrangé des chansons comme Ballad of Easy Rider et Wasn’t Born To Follow (Byrds).

Gloria and Ricky

La capacité artistique, l’humanité, la tendresse et la sensibilité de cet artiste piémontais généreux , il le transmet dans ces chansons,déjà rendue célèbre dans le cinéma , mais vous enrichies d’une pureté que peu de guitaristes nous pouvons trouver dans le monde .

http://youtu.be/XtvpCjTIdQc

Un médiateur entre le Jazz et la chanson d’auteur
Le jazz, la plus créative et authentique, moins est décrypté par le grand public. La médiation entre le jazz et la musique est le chant. Pier Mazzoleni, pianiste, compositeur, accordéoniste, mais est également un chercheur de différents styles, y compris morsure agressive que son chant de la vie, inclus en bonus track sur son CD et de votre véritable identité. L’album, enregistré entre mai et Juin de 2009, contient douze belles chansons qui racontent des histoires directement de l’artiste a vécu, peut-être, peut-être imaginé ou probablement confondu avec d’autres histoires. Qu’est-ce qui transparaît dans chaque chanson est une douleur à l’intérieur et vécu pendant un certain reflet de l’amour perdu, peut-être des rêves et des désirs (Devenir une femme, Ne pas écrire moi et Julia).

La combinaison des instruments à vent artistique remarquable, avec les exploits de l’idée qui arrive soudainement et le séduit, puis laissez surprises.

Votre véritable identité a été composé dans une partie de sa vie, très calme, à proximité de la mer de Ligurie, une région qui a inspiré de nombreux artistes. Et la «médiation parfaite entre le jazz, la chanson et la voix douce d’une femme et exprime la grandeur artistique de Pier Mazzoleni.

Un message d’espoir est lancé avec la chanson n’est pas le cas, la première chanson composée par Peter puis le plus ancien. L’actrice qui vous êtes, se joue avec l’humour et de sensibilisation dans le même temps, parce que Mazzoleni jongle très bien. Très Mots bleus d’un sourire, dédié à une femme imaginé jouer avec un homme a inventé.

Passi, le jazz vient de l’expression, le langage naturel dans presque la discographie entière de Pier Mazzoleni, est une chanson liée à la mer a tant aimé par un homme arrivé à l’âge belle de quarante ans, qui regarde l’avenir avec crainte, parce qu’ils ne savent pas ce que le ‘attendre.

Ma liberté est très intense, écrite pendant un séjour dans Paris ches’ispira un clochard. Un conte de fées pour vous est adressé à une jeune femme que peut-être l’auteur a aimé et jamais oublié.

L’album et votre véritable identité suit une autre magnifique album: The Island, créé avec une grande passion et il a inspiré tous ceux qui ont contribué à sa réalisation, musiciens, parents et amis.

En vérité, je trouve une continuité de talent artistique et la maturité de Pier Mazzoleni à l’interprétation naturelle des chansons parfois récitées et chantées, parfois avec des coups de génie minutieuse de notes de musique qui atteignent la perfection absolue. Les chansons sont toutes d’entendre, en commençant par A La Nouvelle-Orléans, et ensuite en revue les détails du plan, et d’être l’île à la recherche du bonheur. Avec mon vol, c’est le destin qui l’appelle, et en spirale dans le sillage d’une voile dispersés loin horizon, l’examen d’un passé qui n’existe plus dans ce jardin où les rêves d’un enfant ont été tracées sur une feuille (Time qui n’a pas été).

Swing, blues, gogo bossanova, il s’agit d’une étreinte de l’humeur avec des senteurs de thé dans The King of Jazz, avant la dernière plage du disque, les sens, un poème en musique qui révèle toute la tendresse d’un homme qui souffre pour l’amour , reste dans une seconde avant de brûler le fond de faire semblant de mourir à la pensée de la chute de l’objet de la rosée qui se reflète dans son centre.

Chaque chanson s’écoule et est enrichi avec des sons et des arrangements conclus avec grand soin, car il perçoit un amalgame de tous les musiciens qui ont contribué à créer ces disques, bien que la langue de son choix dans la musique est jazz.

Pier vraiment bon! Maintenant nous attendons son nouveau travail toujours inspiré par cette mer où l’on sent la maccaja, où les souvenirs se mêlent aux personnages présents et les nouveaux qui ont rencontré l’auteur, à partir des histoires vraies, peut-être triste, peut-être gay mais consommés avec le «intensité que cet auteur parvient à mettre tout en place.

gloriaberloso@yahoo.it                  gestion

www.piermazzoleni.it site officiel

Ces dernières années, maudit, corrompus et dégoûtant,vous souhaitez vous isoler un peu”, d’annuler des dates et des engagements, bien emballer mes rêves et puis se lancer dans l’océan sur un radeau vermoulu, sur une embarcation de fortune, ce qui compte c est  qu’il flotte….. “

Ainsi commence la seule chanson sur une île déserte du compositeur , mais l’adoption romaine, Luigi Mariano. La chanson est incluse dans  l’album, sorti le 3 avril 2010, produit par Alberto Lombardi et assisté par des excellents musiciens Marco Rovinelli et Pier Paolo Ranieri),  auteurs-compositeurs et chers amis y compris ,

l’un des plus grands artistes de la scène italienne.

Pourtant, Ghita Casadei , Piergiorgio Faraglias et Francesco Spaggiari ,ontcréés un spectacle original d’interaction artistique continue et le partage entre les cinq chanteurs, placés en demi-cercle autour du public, représenté tous les dimanches à Rome dans le local  “L’asino che vola”. Le spectacle est intitulé Condominio chanteur / compositeur et je vous invite à aller le voir si vous êtes dans la capitale.

Luigi Mariano ne s’arrête pas là, car il participe en tant qu’invité de bienvenue lors de divers festivals et festivals de la chanson écrite à l’échelon national, il a écrit “RAI LIBERA“, un hymne pour la libération de la télévision publique aux partis politiques qui est inclus dans  le cd .La chanson dont jouissent certaines  radio et l’ont transmises. Il a écrit l’hymne officiel dell’U.S. Galàtone une équipe de football dans sa ville natale. Luigi a adapté jusqu’à 37 passages de Bruce Springsteen un CD-acoustique tout en italien en l’honneur Springsteen.

“Mais que dois-je dire à ma mère pour Noël, si chaque personne honnête reste au poteau , si un voleur prend son envol ? Je ralentis, j’ai le souffle court, je semble sur une voie mort,mais j’ai juste ma peau et la pensée c’est ma force. “(Seuls sur une île déserte).La chanson que j’aime beaucoup, est très intimiste pour moi, mais je suis venu parce que je vis sur le même radeau flottant  à nouveau.

Le disque commence avec Le jour, non sans la sympathique chanson à dédier à qui dans la journée arrive que tout va mal ; suivie par l’intéressant négation,  plainte ironique- il n’y a aucun contrat, aucun concours acheté sans valeur,  aucune dégradation de l’environnement, pas de violence bestiale, pas d’injustice sociale, pas de corps brisé, pas de guerre, et peut-être même la mort .Ce temps que j’ai est très beau, peut-être le plus personnel et il révèle la douceur de l’homme et le besoin d’être aimé ; Edoardo c’est adressé à son père;  le CD est peut être l’histoire ? le titre de la vie ,il ne va pas s’ appeler la pure et belle poésie – Je vais l’ appeler parce que vous ne voulez pas détruire la beauté qui est en nous qui nous a fait vivre dans l’unité comme vous le savez, perdu dans cette croissance la noyade plus que jamais dans quelques larmes sèches -; La ronde habituelle de blues est un joyau.  Chanson de rupture m’amuse beaucoup pour son ironie et le clic final; très belle Intimité. Qu’est-ce qu’il aurait dit Giorgio? Giorgio connaissait le monde,il y a toujours une île dans la mer.

La musique et les arrangements sont parfaits , un accueil chaleureux  et méritée va à tout le monde. La ressemblance claire et distincte de celle de la voix de Luigi à Giorgio  Gaber, même si le plus mordant, un peu d’influence sur la procédure. J’ai aimé le théâtre et j’ai vu Gaber et l’ interprétations rappelle encore très bien! Ses chansons, et le style également très ironique de Gaber a appris à déplacer un grand nombre de nouveaux artistes, un peu moins contenu qu’à 1973 et 1974, ont changé de direction de sorte qu’ après l’avoir suivi avec intérêt depuis de nombreuses années, j’ai sifflé fortement critiqué abondamment au cours de son spectacle. J’aime la voix et l’ironie de Mariano,   peut-être il y a de place pour moi dans l’île.

(Traduction de Gloria Duarte Cardoso)

J’ai été très intrigué par la détermination de Simone Avincola et après avoir écouté son album auto-produit ” Le bouffon et autres histoires ” qui racontent des histoires de conflits entre les nouveaux et puissants opprimés montrant le rôle de l’information et le service à la loi parce que les propriétaires. Le thèmes de ses chansons sont très rappelle de ces histoires racontées par Francesco Guccini, chanteur du rebelle années soixante-dix qui se sont battus pour nous tous, mais aussi rappeler les événements et les enjeux de notre temps.
Mais comme nous approchions de cette expression de la musique populaire? Avincola Simone, comme beaucoup de garçons de sa génération a eu la chance d’étudier la guitare à l’Ecole Populaire de Musique de Testaccio à Rome et ont eu de bonnes leçons de la grande et extraordinaire Marini Giovanna pendant dix ans. Grâce à cette route, après avoir écouté les chansons populaires et vivant dans un dur historique et politique de son pays trouve sa route en chantant des histoires de vie des personnes situées dans des endroits différents peuvent se rencontrer d’une manière unique. Le ménestrel chante ses histoires, mais s’appuie sur l’espoir que cela change la scène et que tout rentre en faveur des opprimés.
Le bouffon placé en d’autres temps au Moyen Age raconté des histoires de rois et des reines, des princes et des puissants, avec ironie et parfois avec dérision et risquaient la prison et la peine de mort, aujourd’hui, son rôle est joué par le conteur encore plus dégoûté savez peut-être ses chansons à travers les enregistrements, la télévision et de radio. Aujourd’hui, ce rôle dans le contexte politique dans lequel nous vivons est plus difficile: il n’ya pas de peine de mort, mais l’expulsion de la radio et la télévision sont des grilles de programmes, puis la censure des articles de journaux sur les propriétés importantes des puissants, donc les choses sont restées pratiquement l’égalité.
Avincola Simone est l’un des nombreux jeunes à travers ses chansons lance son message de sorte que, dans l’Italie de la politique devient plus clair et transparent, et nous espérons que ce rêve une réalité dès que possible. Dans le “Songs” (Canti) tous les personnages sur ce disque ont leur pouvoir, et ils sont un peu “tous les serviteurs du pouvoir et les rebelles dans le même temps. La clé de ce disque est en effet la face interne de chaque caractère est dit, même le chiffre du Roi, par exemple, est développé en vertu d’un ‘autre jour: le roi qui est dit à lui-même n’est plus le maître de sang et de soif de puissance, mais un homme simple qui avait toutes les richesses et les plaisirs de la vie, mais il a perdu son «je» sa simplicité, lorsque jetant une pierre dans l’eau et détruit le reflet de la lune (brisant ainsi sa tristesse à la fin), mais la vague de la mort “donne vie à l’image de la lune dans l’eau (et tout reste comme avant).

Même dans cet album Avincola Simone utilise la deuxième langue (musique) et il crée des sons populaires pour décrire la vie de nombreux de son pays, mais comme tout bon musicien et compositeur, a écrit la musique en lui donnant des sons différents selon le histoire à raconter peut être d’amour ou de souvenirs ou des rêves, ou  des jeux ou de guerres.

01. Il Giullare                                   Le Bouffon
02. Il Nano Di Corte                      Le Nain du cour
03. Il Viandante                             Le Voyageur
04. Il Castello                                  Le Chateau
05. Il Condannato                         Le Condamné
06. Il Boia                                         Le bourreau
07. Il Re                                            Le Roi
08. La Strega Di Portobello       La Sorcière de Portobello
09. Oltre Il Cancello                     Delà de la barrière
10. Il Paese                                       Le Pays
11. Io Dico Basta                            Je dis assez .

Fabio Viscogliosi est un artiste, écrivain, dessinateur et musicien français né en 1965 de parents italiens.

Dans le domaine de la musique, il a collaboré avec The Married Monk (Rocky, 2001). Il a publié deux albums solo, Spazio (2002) et Fenomeno (2007), sur lequel figure une reprise de Lucio Battisti, “Il nostro caro angelo”, en duo avec Amedeo Pace du groupe Blonde Redhead. En 1995, Fabio Viscogliosi a également produit “Big Yum Yum”, album instrumental enregistré en compagnie de musiciens enfants et dédié aux musiques du cinéma (Un chien andalou, À bout de souffle ou Touchez pas au grisbi).

En 2009, Fabio Viscogliosi a exposé au Musée d’art contemporain de Lyon la série Que sais-je?, suite autofictive de 55 vrais/faux livres.

En janvier 2010, il a publié un premier roman, aux éditions Stock: Je suis pour tout ce qui aide à traverser la nuit.

L’Italie n’est pas spécialement réputée pour la richesse et le bouillonnement de sa scène pop/rock indépendante. Pourtant, en se penchant sur la question, un nom devrait ressortir d’emblée : Fabio Viscogliosi. “Fenomeno” est le deuxième album de cet italien francophile, qui a été un temps membre des Married Monk (sur l’album “R/O/C/K/Y”) et a par ailleurs collaboré avec Yann Tiersen.

“Fenomeno” est composé de dix-sept titres chantés en italien, alternant pop songs paisibles et interludes instrumentaux. De cet ensemble se dégage une ambiance marquée par une douce mélancolie, sur laquelle plane un climat cinématographique, parfois énigmatique. Plusieurs écoutes attentives sont nécessaires pour se plonger entièrement dans l’univers de cet auteur-compositeur-interprète et pour en découvrir toutes les petites subtilités. On risque sinon de passer à côté de ce disque, relativement “simple” en apparence.

Cependant, ces mélodies limpides aux arrangements discrets mais délicats, portées par une voix un peu “croonisante”, traitée avec aspirations, moult réverbs et échos, le chant en italien (langue musicale par excellence !), et la sensation de nonchalance un brin nostalgique font leur effet. Surtout, la force évocatrice des morceaux, entre paysages désertiques (Di Strilli, Quindi), moments d’égarement et de solitude (la nuit noire de Fenomeno, le clair-obscur de Jase, Hase…) confère au tout ce petit supplément de spleen lumineux qui séduit l’oreille.

La belle surprise de cet album réside dans le titre Il Nostro Caro Angelo, où Amedeo Pace, échappé de Blonde Redhead, se joint à Fabio Viscogliosi au chant pour reprendre le morceau de Lucio Battisti (un chanteur italien ayant eu son heure de gloire dans les années 70, peu connu en France). Une très belle reprise pop, fine, aérienne, avec une petite pointe de tristesse.

A noter que le travail de Viscogliosi ne s’arrête pas à la musique, puisqu’il est aussi sculpteur et dessinateur de bandes dessinées (publications au Seuil ou à L’Association) et qu’il conçoit lui-même l’artwork de ses albums, avec un âne comme personnage récurrent. Avec “Fenomeno”, Fabio Viscogliosi transforme l’essai et signe avec élégance un album accessible, mais finalement plus sinueux qu’il n’y paraît.

A l’instar de sa pochette déconcertante – l’artiste, visage impavide, nous tient en joue avec un revolver fictif d’une main tandis qu’elle dirige l’autre vers sa tempe -, Sophie Hunger s’interdit le jeu facile de la séduction. Comme si elle ne souhaitait plaire qu’à ceux qui feront l’effort d’aller vers elle. Ce qui ne signifie pas que l’exigeante Suissesse oeuvre dans une pop délibérément austère ou exagérément complexe.

Musicienne accomplie – elle passe aisément du piano à la guitare en passant par l’harmonica -, cette chanteuse polyglotte (anglais, allemand, français) se déjoue des cases et des catégories commodes, convoquant naturellement dans ses chansons libres de tout carcan stylistique des sonorités jazz, blues, folk, cold wave ou même cabaret sans jamais se perdre ou nous égarer. Sa voix expressive, modulée, tantôt plaintive, tantôt passionnée, se charge de nous guider. Et si sa magnifique version du Vent nous portera, de Noir Désir, tout en fragile retenue, nous fait oublier la horde des karaokés boys and girls de la Nouvelle star, on se gardera bien d’affirmer qu’il s’agit du sommet d’un album aux nombreuses richesses enfouies : juste la parfaite porte d’entrée pour pénétrer l’univers éminemment personnel et singulier d’une artiste aussi exigeante qu’indépendante.

Ce disque, c’est d’abord une histoire : celle d’un spectacle hors norme, dialogue inédit entre une chanteuse, un choeur de femmes et un petit orchestre forain créé en 1991 par Michèle Bernard – artiste plus habituée au prix Charles-Cros qu’aux playlists des radios. Vingt ans plus tard ou presque, Michèle Bernard le ressuscite, entreprise à haut risque tant ses Nuits noires de monde avaient laissé un souvenir émerveillé. Autour d’elle, l’équipe a changé : au choeur d’origine s’est substitué le groupe vocal Evasion, cinq femmes venues d’ici et d’ailleurs ; et le petit orchestre a été remplacé par un simple orgue de barbarie. La chanteuse, elle, a gardé son accordéon, sa voix limpide, et son regard à la fois tendre et lucide sur le monde, loin de tout nombrilisme. Car ce spectacle – et donc ce disque – c’est aussi, ni plus ni moins, un peu de l’histoire de l’humanité : les pièces chantées s’y agencent peu à peu en un puzzle édifiant, tableau de la vie des hommes, de leurs errances éternelles, de leurs peurs, de leurs désirs, de leurs combats, de leurs croyances, de leurs replis.

Les deux décennies qui ont passé depuis la création rendent le propos plus pertinent encore, notamment lorsqu’il y est question des idéologies en miettes ou des murs qui se dressent – les plus attentifs remarqueront aussi quelques chants, traditionnels ou pas, qui ne figuraient pas dans la première version. Ces voix croisées de femmes du monde, portées par un accordéon et un orgue de barbarie, n’exciteront sans doute pas les thuriféraires de la branchitude, ce qui n’est pas très grave. Elles sont bien au-delà des modes ; inscrites au rang des chefs-d’oeuvre de la chanson.

Le musicien-chanteur messin et italien Mario Salis, qui vient de sortir son troisième disque, emporte ceux qui l’écoutent, au-delà de l’âpre réalité, dans un monde où la poésie de la langue italienne exprime à merveille aussi bien l’amour que la révolte ou la critique.

A Metz, on ne présente plus Mario Salis, le concepteur de festivals comme Nomadia, où il vient de se produire en concert, Norapolis ou Teranova. Personnage aux multiples casquettes, fourmillant d’idées et de projets, c’est aussi un compositeur d’opéras, un poète et un informaticien qui donne un essor unique à la poésie multimedia. S’il compose pour des orchestres, il reconnaît volontiers que sa première passion, et la meilleure école de vie, c’est la chanson de rue, quand il chantait ses compositions à Rome Piazza Navona. Voici ce que dit de lui son ami le dramaturge mondialement connu Fernando Arrabal :« La poésie est foudre. Le poète un voleur de feu. Mario Salis le sait mieux que quiconque, qui aspire à être ce Prométhée ».

Après Next Up, La nave del deserto, ses deux premiers CD, voici la sortie du troisième, intitulé Oltre. A travers 15 titres est brossé un portrait du monde et des hommes tour à tour lumineux et réaliste. Dans des chansons où l’artiste joue avec les images, les métaphores et la musique des mots italiens, sur des arrangements souvent symphoniques une mélodie riche et particulièrement évocatrice met en valeur une densité de pensée impressionnante. Plus proche de Paolo Conte que de Toto Cutugno, Mario Salis se refuse à “pousser la chansonnette”. Ses chansons, on pourrait dire ses “poèmes chantés”, sont des hymnes, à la femme, à l’amour, aux opprimés, aux fous pour lesquels il reconnaît une certaine fascination, mais aussi une réflexion sur le côté sombre de la vie : le mal, la mort, la fuite du temps.

Italien de naissance et de cœur, mais bien ancré dans la France où il vit la plupart du temps, Mario Salis jette depuis son pays d’adoption un regard critique sur l’Italie gouvernée par des hommes dont il fustige l’arrogance et la collusion avec la mafia. Des textes forts comme Le temps viendra, ou Hommes en cendres montrent les maux qui font de l’Italie un pays à la dérive, un pays qui a perdu son innocence. Sara l’amore, le premier texte du nouveau CD, se termine cependant sur une note d’optimisme, car, malgré toutes les malversations politiques qu’il dénonce, c’est l’amour qui sera le plus fort, car l’amour reste le seul chemin pour combattre le mensonge et la corruption. Que les textes évoquent, parfois sur un mode surréaliste, les boat people, le peuple palestinien, Cohen ou Moravia, le fil rouge de ce très bel opus reste l’amour, sensuel aussi bien qu’universel. Mario Salis chante la conscience planétaire.

Mario Salis au-delà des apparences, musique et poésie pour son troisième CD
5 questions à Mario Salis

La Plume Culturelle : Mario Salis, pourquoi avoir intitulé votre CD Oltre?

Mario Salis : Oltre, en italien, cela signifie « outre », « au-delà de ». Aller au-delà des apparences, des discussions et des réalités du monde, pour s’attarder sur ce qu’on ne voit pas, mais qui est là, qui sous-tend nos actes et nos pensées. Dépasser les problématiques bassement matérielles, découvrir et explorer de nouveaux mondes.

Bravo : Vos chansons sont souvent très longues, pouvez-vous expliquer pourquoi?

M.S. : Je ne me soucie pas des exigences radiophoniques pour lesquelles une chanson qui dure plus de 3 minutes ne peut pas passer sur les ondes. Je prends mon temps, c’est même une réponse à ceux qui veulent faire court, et presque un acte révolutionnaire ! Les choses belles peuvent être longues, je voyage à travers la chanson qui devient une méditation musicale. Et s’il arrive que je supprime une note de ma chanson, elle devient boiteuse, elle ne me correspond plus. Après tout, Cohen aussi avait des chansons qui duraient 7 minutes!

Bravo : Vous évoquez Léonard Cohen. Quelles sont les influences qui vous ont marqué dans votre cheminement artistique?

M.S. : Quand j’étais enfant, j’écoutais Bob Dylan, ou Léonard Cohen, dans le texte, sans les comprendre puisque je ne connaissais pas l’anglais. Et je m’y reconnaissais. Ce sont eux qui m’ont fait grandir. Danza per me amore mio est un hommage à Cohen, dans la danse sensuelle d’un homme et d’une femme. J’aime aussi les écrivains américains de la Beat Generation, qui taillaient la route et n’avaient pas peur d’afficher leurs idées, Allen Ginsberg, Jack Kerouac. Et puis Prévert, Boris Vian agaçant et moqueur, le poète américain Thomas Dylan. Des gens qui ont quelque chose à dire, et qui le disent.

Bravo : Quand vous écrivez, qu’est-ce qui vous guide?

M.S. : D’abord je me fais plaisir, je me retrouve dans mes chansons. Je retranscris beaucoup d’images qui me viennent dans mes rêves, et sur lesquelles je brode avec des métaphores, d’autres images qui s’enchaînent. Je parle d’amour, beaucoup, pas seulement de l’amour entre un homme et une femme, mais aussi de l’amour entre les hommes. J’aime autant chanter le plaisir des sens que faire de l’ironie sur Berlusconi ou la mafia, sur l’hypocrisie politique. Je suis un citoyen du monde.

Bravo : Mario Salis, peut-on dire de vous que vous êtes un poète engagé?

M.S. : Engagé, je ne sais pas, plutôt enragé ! Mes chansons sont des cris, à la manière de Ginsberg. Il faut redonner un sens aux mots « dignité », « respect de l’autre ». C’est le temps de s’approprier la culture, de valoriser les gestes qui donnent l’espoir. En Italie et ici, retrouvons les mots qui nous sont chers, « partage », « respect », et si possible habillons-les de fantaisie et de musique, la musique du cœur.